Équilibre Élégant

La 22e édition du London Design Festival vient de quitter la capitale britannique après neuf jours rythmant la ville d'installations marquantes, de projets publics monumentaux et de lancements de showrooms avant-gardistes. Même si l'enthousiasme autour de l'événement est voué à s'essouffler, il n'y a pas de meilleur moment que le présent pour revenir sur certains des projets que nous avons le plus aimés grâce à sa vaste programmation et explorer l'importance qu'ils ont au-delà de leur présentation.

Qu'il s'agisse de jeter un nouvel éclairage sur des styles architecturaux temporairement oubliés et de réinventer l'artisanat à travers une lentille contemporaine axée sur la technologie, ou encore de souligner l'influence que les objets du quotidien jouent dans nos vies, chacun des septci-dessous démontrent comment les designers et les créateurs d'aujourd'hui adoptent leur pratique pour relier les points entre le passé, le présent et l'avenir du design et de l'humanité dans son ensemble. Comment? Faites défiler pour en savoir plus.

1. Mettre le concept au premier plan

Les chutes de meubles, les lancements d'expositions et les activations de salles d'exposition révèlent rarement quoi que ce soit sur le processus de fabrication d'objets de design spécifiques. Au lieu de cela, ils sont traditionnellement présentés sous leur forme finie. Les studios de design Atelier Thirty Four, David Irwin et SmithMatthias, les trois membres fondateurs de l'exposition collective de LDFPreuve de concept, je voulais changer ça. "Nous avons créé la preuve de concept pour mettre en lumière les étapes souvent négligées du processus de conception, ces moments d'innovation qui sont confrontés à de réels défis, allant d'un financement limité à l'obtention du soutien de grands fabricants", me disent-ils. Offrant aux gens un rare aperçu du travail réfléchi et réfléchi nécessaire pour donner vie à une idée, la vitrine « est une célébration de l'ingéniosité et de la persévérance des designers dans toutes les disciplines ».

Réunir des projets de mobilier, de design de produits, de céramique, de textile et d'architecture par dixet les ateliers,Preuve de concepta guidé les visiteurs à travers "le voyage derrière chaque création, qu'elle soit commercialisée ou non", ajoutent les cofondateurs. Ici, des croquis, des modèles, des prototypes, des tests et des artefacts de développement ont été mis en lumière dans l'atmosphère chaleureuse du 83 Rivington Street du Shoreditch Design Triangle, ainsi que le résultat final, invitant les spectateurs à s'intéresser à l'histoire de chaque élément du début à la fin.

Les points forts comprenaient une chaise à bandoulière d'inspiration minimaliste de David Irwin qui, inspirée par la notion de circularité, a été « fabriquée à partir d'un seul matériau fabriqué à partir de contenu recyclé » pour minimiser les déchets tout en conservant le confort ; La chaise longue rembourrée en fonte 1909 de l'Atelier Thirty Four, unepièce développée en partenariat avec différents fabricants locaux pour célébrer les liens humains derrière le grand savoir-faire ; et la chaise Arcade en bois massif de SmithMatthias, un objet optimisé pour l'expérience et la planète dont le design magnifiquement essentiel est destiné à « être précieux ».

2. Libérer le « ludisme » des meubles

Des silhouettes inattendues remodèlent l'essence du design contemporain, comme le rapportent nos deuxnuméro et dans un article récent sur les studios en plein essor. Alors, à quoi sert l’essor des meubles fantaisistes ? Pour l'artiste et designer britannique Faye Toogood, l'esprit derrière LDFFauteuil Frau-soutenuUn espace écrasé installation, ces créations ludiques découlent d'un besoin d'améliorer l'expérience humaine à travers des articles ménagers, en supprimant les obstacles à la fois physiques et métaphoriques qui peuvent entraver sa réalisation la plus agréable.

Présentées pour la première fois lors de la Design Week de Milan ce printemps, "les pièces [de la collection Squash] vous embrassent, elles n'ont rien de rigide", dit Toogood à propos de la série au centre de son exposition londonienne, qui a transformé le magasin phare local de Poltrona Frau en un tapisserie feutrée de textiles et de cuirs colorés. Conçu comme une rencontre entre le folklore anglais et la puissance italienne, le projet a entouré les visiteurs de fauteuils, de tables d'appoint, de miroirs et de tapis ressemblant à des créatures.

Pour contrer les lignes austères du design contemporain d'avant-garde,Un espace écraséa renversé le sérieux du domaine. Comment? En encourageant le public à interagir avec « une pièce qui n'est pas construite mais drapée, des murs qui n'y sont pas vraiment, un espace imposant mais intime et un geste spontané figé qui associe l'artisanat exquis à la joie d'un enfant ». fort de couverture", conclut le designer.

3. Recadrage du patrimoine et de l'histoire

Une collaboration avec les Britanniques-définition de la marquede Gournay, la dernière collection d'articles pour la maison de l'artiste et designer franco-américaine Sophie Lou Jacobsen,Feu, réinterprète l'offre Chinoiserie acclamée de la maison à travers le filtre de ses verreries intemporelles et sophistiquées. Composée de vases, d'appliques de bougies, de suspensions et de miroirs, cette nouvelle série fabriquée à la main, inspirée des meubles et de la décoration des XVIIIe et XIXe siècles, renforce la capacité de la créatrice à activer ses créations à travers une narration évocatrice, renforçant ainsi son succès. sensuellement bucoliqueJardin secretcollection.

Exposé au showroom de Gournay à Londres jusqu'en octobre,Feudémontre "une profonde appréciation pour la magie de l'artisanat, l'histoire romantique des arts décoratifs et l'emprise que le passé exerce sur nous tous dans le présent", expliquent la marque et Jacobsen. Ici, les détails des feuilles d'or et la flore florissante des papiers peints convoités de de Gournay trouvent une nouvelle demeure dans les récipients précieux et les ornements de maison aux formes sinueuses du designer new-yorkais, dont l'approche inspirée de l'artisanat comble le fossé entre des époques apparemment disparates.

4. Laisser le design raconter l’histoire

Yara Abu Aataya~ 1 heure de collecte de verres est peut-être moins fonctionnel et simple dans sa conception que la plupart des projets que j'ai choisi d'inclure dans cette synthèse, mais le message derrière cette exposition était l'un des plus puissants que j'ai rencontrés tout au long de mon itinéraire LDF. Présentant une série de sabliers et d'accessoires pour la maison aux tons pastel, la vitrine a réfléchi à une question fondamentale : « Pouvons-nous nous permettre le luxe du temps ? À une époque où les télécommunications instantanées et la consommation de produits tout aussi rapide sont devenues la norme, ce projet de conception cinématographique a rendu tangible le passage du temps, nous incitant à réévaluer son importance dans notre vie quotidienne.

Reflétant l'identité tchéco-palestinienne du créateur, le sablier bicolore d'une fabrication époustouflante au centre de la collection — réalisé par Aataya en collaboration avec le studio technologique Shard Art — était une métaphore de l'essence éphémère de l'expérience humaine et de la les multiples facettes imperceptibles qui le composent. Mais plus que toute autre chose, la lumière néon, les vases et les luminaires rassemblés dans cette œuvre se sont efforcés de nous raconter une histoire, tirant parti du pouvoir immersif du design pour garantir que nous trouvions une heure pour l'écouter.

5. Faire revivre le modernisme du milieu du siècle

Vous vous demandez toujours, Jetez un œil au projet LDF Landmark de cette année,Pavillons des Merveilles, et vous trouverez toutes les réponses. Imaginée par Nina Tolstrup, cofondatrice de Studiomama, cette installation publique fantastique et interactive a été sans conteste l'un des moments forts les plus instagrammés de cette édition. Propulsé par Barbie® de Mattel, Inc. et Visit Greater Palm Springs, et situé sur le Strand Aldwych,Pavillons des Merveilless'est inspiré de Barbiemania pour plonger les passants dans une dimension barbe à papa et surréaliste.

Au cœur de cette intervention urbaine monumentale se trouvaient trois structures différentes, à savoir la Barbie DreamHouse, un jardin architectural et un mur lumineux kaléidoscopique. Le projet esthétique de Tolstrup avait instantanément une sensation emblématique. Pourtant, ce qui m'a marqué, parmi les centaines d'initiatives dévoilées lors du LDF, c'est sa vision rafraîchissante du modernisme du milieu du siècle du Grand Palm Springs, qui prend actuellement de l'ampleur.

En juillet, j'ai écrit comment,, se tournant vers les styles du passé – y compris le modernisme – pour prendre des décisions éclairées sur l’évolution de leur métier. Rendant hommage au génie architectural d'E. Stewart Williams, Albert Frey et Richard Neutra,Pavillons des MerveillesapportéDes jardins tentaculaires inspirés et des effets hypnotiques au cœur de Londres. Ce faisant, Tolstrup a rendu son héritage plus digeste et ludique pour tous, célébrant l’authenticité d’un mouvement qui ne vieillit jamais.

Je crois fermement à l'influence de la communauté sur l'avancement des différentes couches de la culture – de l'art et du design à la mode, en passant par la musique et la littérature – il est donc tout à fait approprié que mon activation préférée de la 22e édition de LDF ait apporté l'élément social de la créativité. au premier plan. DansFaire de la place, les créatifs émergents Andu Masebo et Mikey Krzyzanowski ont transformé le Brompton Design District en une plateforme d'expérimentation et un espace de rassemblement, accueillant un programme dense de huit jours d'ateliers, de conférences, de groupes de lecture et de discussions artistiques, développé en collaboration avec une vingtaine de personnalités internationales. .

Inauguré par un laboratoire de fabrication de meubles dirigé par Masebo lui-même le 14 septembre, l'événement a immédiatement mis ses fruits en pratique en utilisant les objets créés à cette occasion pour contribuer au confort des visiteurs pendant toute sa durée. Fait partie du Jane Withers Studio, organiséLa pratique de l'apprentissage,Faire de la placea imité l'atmosphère stimulante d'environnements typiquement sociaux comme les bibliothèques, les salles de classe, les studios d'artistes et les salons « pour encourager les gens à s'engager dans le monde qui les entoure à travers le design », favorisant la connaissance et l'action collectives.

7. À la recherche d’un changement sociétal positif

Tout comme les tournesols, les humains recherchent constamment le soleil, et cela parce que, que nous en soyons conscients ou non, la quantité de soleil à laquelle nous sommes exposés quotidiennement est cruciale pour notre bien-être mental et physique. Dans son installation hypnotique de Somerset HouseLe soleil, mon coeur, la designer néerlandaise Marjan van Aubel a étudié notre relation vitale avec ce corps céleste en invitant le public à entrer dans une pièce éclairée au néon conçue pour rendre instantanément palpables les avantages de l'interaction solaire-humaine. Composée de multiples supports d'éclairage modifiés, l'œuvre reproduit le cycle quotidien du soleil tout en émettant des paysages sonores issus des enregistrements solaires de la NASA, absorbant les visiteurs dans une expérience interactive vraiment inoubliable.

La pièce, qui stimulait les ondes thêta du cerveau normalement produites lors d'une relaxation profonde, a synchronisé le cœur du public avec les rythmes du soleil pour sensibiliser au potentiel caché de l'énergie solaire. Active à l'intersection de la durabilité, du design et de la technologie, la pionnière néerlandaise a confronté le public avec sa vision fascinante d'un avenir alimenté par le soleil, faisant allusion à la fonction pionnière que le design innovant peut remplir dans la transition vers l'énergie durable.