Équilibre Élégant

Alors que certaines galeries d'art et institutions à travers le monde profitent peut-être d'une pause estivale, supprimant de nouvelles expositions au profit d'expositions de collections permanentes dans le cadre d'une réinitialisation saisonnière, cela ne semble pas être le cas à New York.

La métropole toujours éveillée et son État homonyme au sens large continuent de mettre en valeur le flux d'expression créative au cœur de sa scène artistique et design, en organisant des expositions individuelles et collectives, des rétrospectives, ainsi que des installations artistiques en plein air qui témoignent de la révolution disruptive. héritage culturel de ses habitants.

Bien qu'ils diffèrent par leur support, leur style et leur objectif global, les 10ci-dessous m'ont tous frappé avec la même pensée : comment les pratiques artistiques peuvent nous montrer de nouvelles (et meilleures) voies d'avenir.

Que ce soit en raison de la façon dont ils exploitent la créativité comme antidote aux obstacles du quotidien ou pour dénoncer les dommages subis par des communautés spécifiques à travers le monde – et la planète dans son ensemble – chacune de ces initiatives m'a fait sortir de mon été- mode loisir induit pour poser les questions difficiles.

1. Arlene Shechet : Groupe de filles

Centre d'art Storm King, 1 Museum Rd, New Windsor, NY 12553

La légèreté défiant la gravité et la contagiosité du travail de la sculptrice américaine Arlene Shechet sont telles que, rien qu'en recherchant cette exposition depuis mon bureau dans le ciel nuageux de Londres, j'ai été immédiatement transporté dans les espaces extérieurs luxuriants du Storm King Art Center de New York, où elleGroupe de fillesla série est actuellement à l’affiche (jusqu’au 10 novembre).

Une réinterprétation à grande échelle, à base de métal et de peinture, de son œuvre en céramiqueEnsemble(2020), que Shechet a conçue comme une réponse régénératrice au calme et à la solitude de la pandémie, cette nouvelle collection est imprégnée de la même énergie apaisante pour l'âme que son inspiration principale. Se distinguant par leurs formes fantastiques et leurs teintes pastel, les silhouettes totémiques, vaguement anthropomorphes de l'artiste invitent les visiteurs à découvrir le parc dans lequel ils évoluent de manière ludique et enfantine, comme s'ils assistaient au déroulement d'une chorégraphie. .

2. Un plus grand plaisir

Sur rendez-vous uniquement

Les collectionneurs de meubles d'art et de design craqueront pour cette vitrine d'objets incroyablement organisée, comprenant les contributions des artistes contemporains Alana Burns, Guy Corriero, John Hogan, Floris Wubben et Rahee Yoon. Une sélection éclectique et multimédia de pièces d'une beauté unique — inspirées du surréalisme, incrustées de coquillagescouverts en argentàmasques sculpturaux ancestraux et turquoiseetdes créations en verre tout aussi fascinantes—Un plus grand plaisir(jusqu'au 23 août) explore les multiples motifs qui nous poussent à intégrer un meuble, une décoration ou un accessoire donné à notre maison en plongeant dans les nombreuses significations que nous insufflons à nos objets précieux.

Réfléchir sur les logiques « historiques », « fiduciaires » et « personnelles » derrière les choix de chaque collectionneur, ou sur la façon dont à travers chacun d'eux ils cherchent « à définir un récit généalogique et ainsi clarifier le présent » ; « attribuer de la valeur en fonction de la rareté et du contexte, générant ainsi un rendement pour l'investisseur avisé » ; ou pour capturer « quelque chose d'inexplicable qui découle de l'expérience immédiate que le collectionneur a avec l'œuvre », l'exposition nous rappelle la valeur subjective, plus profonde et souvent inexprimée qui réside dans les choses qui nous entourent, bien au-delà de leur apparence.

3. Regina José Galindo : Terre

MoMA, 11 W 53rd St, New York, NY 10019

Tout le monde n’est pas d’accord avec la notion d’art comme quelque chose de intrinsèquement politique, mais la performeuse et poète guatémaltèque Regina José Galindo est l’exemple vivant de la manière dont le pouvoir de la créativité peut être exploité pour amener les gens à affronter l’état corrompu du monde. Récemment acquise par la collection du Museum of Modern Art, son œuvre audiovisuelle audacieuse et révélatriceTerre(2013) se concentre sur la réalité de son pays natal pour dénoncer les pratiques d'exploitation en cours affectant le travail local, les ressources naturelles et la vie humaine.

Organisée par Elena Ketelsen González, conservatrice adjointe du MoMA PS1, la présentation (jusqu'au 26 août) place les spectateurs devant la projection du film « plus grand que nature » de Galindo, ce qui leur permet de ne pas voir ce qui se trouve devant eux : debout, nus sur un îlot de terre alors qu'un bulldozer creuse tout autour d'elle, l'œuvre poignante de l'artiste de moins de 35 ans, lauréate du Lion d'or, dénonce le massacre de milliers d'indigènes pendant la guerre civile guatémaltèque. Mais se souvenir ne suffit pas pour Galindo, qui se lance dans l'art "pour défendre la terre qui m'enracine".

4. Projets : Tadáskía

MoMA, 11 W 53rd St, New York, NY 10019

Dans une scène artistique où des mythes comme celui de l'artiste « condamné » ou « damné » continuent d'influencer la production créative et les modes de vie de personnalités émergentes et établies – nous amenant souvent à considérer le « véritable art » comme quelque chose enraciné dans la souffrance – l'étonnante L'œuvre colorée et édifiante de l'artiste afro-brésilien Tadáskía a attiré mon attention pour sa capacité à transmettre la complexité de la vie d'une manière qui nous convainc qu'elle vaut la peine d'être endurée plutôt que de succomber.

Au MoMA de New York, son exposition personnelle Projets : Tadáskía, exposée dans les galeries de rue du musée jusqu'au 14 octobre, elle combine dessin, sculpture et techniques mixtes dans un récit explosif et joyeux de ses expériences en tant que femme trans noire. Marquant la première vitrine solo de l'artiste aux États-Unis, les œuvres murales pleines de vie et les visions aux couleurs de l'arc-en-ciel de cette présentation rejettent les représentations condescendantes de l'expérience non binaire, déclenchant l'euphorie qui naît du fait d'être notre vrai moi.

5. Diana Orving : Terrain de jeu des esprits

Parc Carvalho, 112 Waterbury St, Brooklyn, NY 11206

Ce que j'aime le plus dans l'art, c'est la façon dont certaines œuvres d'art vous parlent avant même que vous ayez la chance de penser à ce qu'elles sont censées représenter - et la récente œuvre textile de l'artiste d'installation Diana Orving, basée à Stockholm et à Paris.Terrain de jeu des esprits correspond parfaitement à cette description.

Ouverte au parc Carvalho jusqu'au 17 août, cette œuvre d'art flottante semblable à un nuage semble imprégnée d'une vie propre. Suspendu dans les airs dans l’institution de Brooklyn, il s’apparente autant au tissu hyper détaillé de membranes organiques et d’arbres qu’à la substance imaginaire de nos fantasmes et de nos rêves. À l'occasion de l'exposition, l'installation a été périodiquement activée par une série de performances dirigées par la célèbre danseuse principale du New York City Ballet, Sara Mearns, et la chorégraphe Jodi Melnick.

6. Suchitra Mattai : Nous sommes des nomades, nous sommes des rêveurs

Prenant la rive de l'East River du parc comme point de départ de ses recherches, Mattai a transformé des saris vintage appartenant à des femmes de la diaspora sud-asiatique en œuvres sculpturales incarnant leurs histoires de migration transatlantique. Modifiée par l'impact des êtres vivants et des éléments naturels, notamment le soleil, la pluie et le vent, chacune des créations agit « comme un témoignage en constante évolution de l'expérience humaine d'adaptation — un monument du voyage vers le devenir ».

7. Pièce de survie n°5 : Verger portable

Whitney Museum of American Art, 99 Gansevoort St, New York, NY 10014

Tout comme il y a eu une augmentationdes projets cherchant à prendre le, j'ai remarqué un nombre croissant d'expositions d'art insérant des plantes dans l'espace de la galerie pour transmettre une déclaration.

Dans le cas dPièce de survie n°5 : Verger portable, visible au huitième étage du Whitney Museum of American Art jusqu'au 5 janvier 2025, l'indice est dans le titre : la première présentation muséale solo du verger d'agrumes intérieur conçu à l'origine en 1972 par un verger d'agrumes intérieur entièrement réalisé conçu en Créée en 1972 par les artistes Helen Mayer Harrison (1927-2018) et Newton Harrison (1932-2022), cette exposition inhabituelle réinvente les pratiques agricoles conventionnelles pour faire face à l'urgence climatique actuelle. Composée de 18 agrumes vivants, chacun placé dans des jardinières autonomes dotées de systèmes d'éclairage individuels, l'installation nous oblige à reconnaître l'urgence d'un « système alimentaire productif et durable où les pratiques agricoles naturelles sont obsolètes et ne peuvent être tenues pour acquises ».

8. Couple étrange : meubles d'art américains des années 1980 à aujourd'hui

Superhouse, 120 Walker St #6R, New York, NY 10013

Entrer dans la galerie new-yorkaise Superhouse, c'est comme voyager dans le temps.The Odd Couple : Meubles d'art américains des années 1980 à aujourd'hui (jusqu'au 17 août) emmène les visiteurs dans un voyage à travers les styles, les visions, les récits et les perspectives adoptés par une liste transgénérationnelle d'artistes américains qui ont défini l'époque.

Conçue par l'architecte André Bahremand, l'installation d'exposition, explique l'institution hôte, place des pièces rares du mouvement de l'art fonctionnel des années 1980, du mouvement de l'artisanat d'atelier s'étendant des années 1980 aux années 2000, et de la sculpture contemporaine en dialogue pour examiner le rôle central joué par Des créatifs basés aux États-Unis dans l'essor du mobilier d'art. Présentant des œuvres du fabricant de meubles de cinquième génération Howard Meister, de l'artiste californien imaginatif Garry Knox Bennett et de la nouvelle venue belgo-congolaise Kim Mupangilaï – dont les meubles en bois sculpté incarnent la convergence fluide de ses deux racines –Le couple étrangeoffre une vision originale et stimulante du design contemporain adopté par une douzaine d'avant-gardistes.

9. Rose B. Simpson : Graine

Madison Square Park, 11 Madison Ave, New York, NY 10010

Inwood Hill Park, Payson Ave. et Seaman Ave, New York, NY 10034

Principalement connu pour son mobilier élégantregorgeant de représentations cinématographiques, ainsi que de la communauté créative florissante qui lui sert de force motrice, la ville de New York dispose également de sa bonne dose d'espaces extérieurs et de jardins publics pour un total de plus de 2 300 parcs. Alors pourquoi ne pas les remplir d’art ? C'est la question que se pose l'équipe fondatriceProgramme d'art public du Madison Square Park Conservancyil faut y penser, qui fête actuellement ses 20 ans. Exposée simultanément dans le lieu éponyme et dans le parc Inwood Hill, l'artiste autochtone en techniques mixtes Rose B. Simpson'sGrainecharge l’atmosphère ensoleillée des deux espaces d’une aura sacrée inattendue.

Sculptée dans de l'acier et du bronze patinés, l'installation comprend de multiples sculptures anthropomorphes placées tout autour d'un buste féminin « poussant » d'une parcelle d'herbe. Érigé en mémoire de l'histoire des Amérindiens et en tant que « sentinelles » surveillant l'avenir des autochtones, ce projet puissant appelle les résidents à réfléchir à leur rôle dans la lutte en cours pour les droits des peuples autochtones, invoquant davantage de cohésion sociale et d'engagement civique en ces temps troublés.

10. Cycles de vie : les matériaux du design contemporain

MoMA, 11 W 53rd St, New York, NY 10019

Pour Paola Antonelli et Maya Ellerkmann, respectivement conservatrice principale et assistante de conservation du département de design et d'architecture du Musée d'art moderne, et créatrices de l'exposition en coursCycles de vie : les matériaux du design contemporain, « tout acte de bonne conception doit également être un acte d'empathie, de respect et de responsabilité envers tous les organismes vivants et écosystèmes — ainsi qu'à l'égard des générations futures ».

Ils l'ont clairement exprimé dans cette exposition, qui promeut une approche circulaire et respectueuse de l'environnement du design en plaçant les « cycles de vie » des œuvres d'art, ou les multiples étapes menant à leur fabrication, au centre de leur installation au MoMA (à travers 25 Août). En accordant une attention particulière aux meubles et articles de maison produits de manière durable ainsi qu'aux vêtements et accessoires,Cycles de viecherche à démontrer « que le design peut être élégant, innovant et convaincant, tout en proposant de nouvelles stratégies pour réparer notre planète ».

S'il est vrai que l'art et la créativité peuvent tous deux répondre à notre besoin d'évasion, nous permettant d'imaginer quelque choseautreque la réalité qui nous entoure, fermer les yeux sur les défis qui caractérisent l’époque contemporaine peut s’avérer problématique à long terme.

Dans cette sélection d'expositions new-yorkaises, je voulais souligner comment les artistes et designers du monde entier n'utilisent pas seulement leur métier pour réfléchir à leurs expériences et préoccupations personnelles, mais ils l'adoptent également pour nous rendre plus réceptifs à ce que nous pourrions que nous essayons d’ignorer – de la nécessité de réévaluer nos pratiques de consommation aux inégalités qui continuent de se frayer un chemin dans le monde. Fougères et stimulantes, ces vitrines démontrent que toutes les conversations significatives ne doivent pas nécessairement commencer à partir d’œuvres d’art trop sérieuses, et que des alternatives immersives et engageantes peuvent être tout aussi convaincantes.