Investissez dans l'Amérique: Rencontrez les forces politiques et créatives à l'origine de l'évolution de la mode américaine

L'industrie de la mode américaine se retrouve dans un moment d'incertitude profonde, luttant sous le poids de défis qui ont l'impression de le tirer dans toutes les directions. Des designers indépendants, une fois que le cœur battant du paysage créatif du pays, est maintenant pris dans une bataille pour la survie. Avec un soutien financier qui coule souvent en faveur des géants de luxe de l'Europe, des étiquettes plus petites et indépendantes sont laissées pour naviguer sur un marché où l'innovation est parfois éclipsée par les voix les plus fortes et les poches les plus profondes. Chaque saison, vous entendrez des bavardages que la Fashion Week de New York est morte et ne vaut pas la peine d'être ressuscité, avec des marques et des acheteurs hiérarchiques à Milan et à Paris sur leur base. Le Conseil des créateurs de mode d'Amérique, ou CFDA, s'est donné pour mission de revitaliser New York - lenomination récentede Thom Browne en tant que président est un grand pas dans la bonne direction. "À une époque où le rôle des concepteurs est interrogé [tous les jours], nous devons ignorer le bruit et nous concentrer sur ce qui compte le plus pour nous", le concepteurécrit sur InstagramLa veille de l'automne 2025 a débuté à New York. Malgré ces efforts, bon nombre des grands créateurs de cette nation s'éloignent dans une fuite de cerveau de la mode en temps réel.

Pour de nombreux designers émergents, en particulier ceux des communautés marginalisées, le rêve de percer est de plus en plus éloigné, même s'ils versent chaque once de créativité et de passion dans leur travail. "Par rapport à d'autres industries, l'adoption de Dei par la mode en tant qu'initiative est venue uniquement en 2020", a déclaré Sheena Butler-Young, correspondante principale chez Business of Fashion, a-t-il dit qui porte. Dans l'ensemble, de nombreux designers avec qui nous avons parlé pour cet article ont seulement commencé à voir à la fois la réception de l'industrie et de la clientèle à leurs idées et histoires à la suite des manifestations de Black Lives Matter en 2020. Les détaillants étaient à bord, dédiant un espace d'étagère sacré aux entreprises appartenant à des Noirs, et des engagements dirigés par l'industrie comme l'engagement de 15% ont commencé à atteindre le courant. La reconnaissance par l'industrie des talents noirs semblait avoir un effet d'entraînement, autonomisant et édifiant d'autres concepteurs de couleur. Mais, comme le suggère Butler-Young, la plupart était une farce. D'ici 2022, le financement a semblé se sécher, laissant les concepteurs marginalisés se précipiter pour réduire les commandes ou repenser leurs moyens de production. "La formation de la diversité, de l'équité, de l'inclusion en tant que catégorie commerciale a été une réaction. C'était émotionnel", a ajouté Butler-Young. "Et, au pire, c'était performatif."

Ici en 2025, il a créé une dure réalité où les pressions économiques, le changement de comportement des consommateurs et un climat politique en constante évolution semblent menacer le fondement même de ce que la mode américaine représentait autrefois - un débouché professionnel pour les créatifs visionnaires de la société. Même dans cet état brisé, il reste un esprit indéniable - une énergie brute et implacable qui refuse d'être éteinte. Les marques indépendantes, armées d'un peu plus que leur vision, repoussent toujours des limites, tissant des identités, des cultures et des histoires qui ont souvent été négligées ou réduites au silence. Pour eux, la mode, c'est bien plus que vendre des vêtements - il s'agit de fabriquer des mondes, de réécrire des récits et de remettre en question les attentes de ce à quoi devrait ressembler le luxe et le succès. "J'espère que les designers américains, juste en général, où qu'ils produisent, resteront encouragés au cours des deux prochaines années. Bien sûr, cette administration fera des choses qui ont des effets durables, mais nous devons garder à l'esprit que le monde et la vie sont tellement plus grands que ces quatre prochaines années", a ajouté Butler-Young. "Un fait que j'aime toujours mentionner est que selon le recensement américain, d'ici 2045, ce pays sera majoritairement non blanc. ... C'est à qui vous allez devoir parler [en tant que designer] dans les 20 prochaines années."

Malgré les chances intimidantes, il y a un sentiment de détermination, un optimisme silencieux qui impulse à travers cette industrie fracturée. Face à l'instabilité économique, aux tendances changeantes et au poids d'un marché impitoyable, ces concepteurs trouvent des moyens de tenir le terrain. Ils s'appuient sur leurs racines, leurs communautés et leur ingéniosité pour continuer. C'est un témoignage de leur résilience - une affirmation que même dans les moments les plus difficiles, la créativité a encore le pouvoir de prospérer et peut-être, peut-être, de redéfinir l'avenir de la mode américaine.

Jacques Agbobly est né et a grandi à Lomé, au Togo, entouré de couturières locales et de tailleurs qui ont coupé, cousu et installé des vêtements dans des chambres supplémentaires louées par la grand-mère d'Agbobly. Après avoir déménagé aux États-Unis et fréquenté la Parsons School of Design, Agbobly a établi sa marque de tricots dans le but de combler l'écart entre leurs racines de Lomé et la carrière nouvelle à New York. "Ayant grandi entre les cultures, j'utilise la mode pour fabriquer un univers qui se sent à la fois nostalgique et avant-gardiste, où l'artisanat africain rencontre le design contemporain", dit le créateur qui est ce qui porte. "Agbobly ne concerne pas seulement les vêtements; il s'agit de narration, d'identité et de redéfinition de ce que signifie le luxe pour une communauté diasporique mondiale." Leurs designs fantaisistes et colorés sont tirés de souvenirs personnels et collectifs - des jeux de transmission, des textures vibrantes et des moments de joie sacrés qui ne font pas le courant lorsqu'ils représentent la vie noire.

En 2024,est devenu demi-finalistePour le prestigieux prix LVMH, visant à soutenir et à édifier les étiquettes indépendantes et émergentes. Malgré l'hypothèse selon laquelle un large cachet d'approbation d'entreprise serait une solution permanente pour que les jeunes marques obtiennent une reconnaissance et un soutien financier, admet agiment qu'elles ont toujours du mal avec le poids de l'industrie. Bien sûr, les grandes marques de soutien financier seront toujours là, mais la clé du reste concentré et résilient, selon Agbobly, est de se pencher sur la communauté de supporters, d'acheteurs et d'artisans de la marque qui travaillent ensemble sur la mention plus grande de la marque. Chaque pièce tissée, le point ou le crochet ajoute au monde agbably, centrant la joie et les afropolitains. "Il y a souvent une attente que les designers noirs doivent centrer notre travail sur la race ou la lutte. Bien que ces thèmes façonnent inévitablement ma perspective, il existe agité de leur côté", ajoutent-ils. "Je veux créer un monde où la noirceur ne se limite pas aux récits de résilience mais est également vu à travers l'objectif de la fantaisie, de la nostalgie et de l'innovation."

Malgré les difficultés financières, comme la plupart des autres designers, de l'espoir. Bien sûr, les marques vont et viennent (notamment déracinant les capitales européennes, comme plusieurs étiquettes l'ont récemment fait), mais il y a encore du grain indéniable et de l'esprit derrière les étiquettes indépendantes de New York. "Nous avons juste besoin de continuer à avancer, et avec le bon soutien et les bonnes ressources, je crois que l'avenir de la mode américaine est brillant", a ajouté Agbobly. "Nous devons continuer, surtout en ces moments difficiles."

Sergio Hudson tire toutes ses collections de la joie et de l'excellence noire. Le designer, qui a officiellement commencé à montrer sur le calendrier de la Fashion Week de New York en 2020, a été élevé dans le Sud, où la Couture américaine prim-et-étendue a été le fondement de sa communauté noire soudée. Ce qui était autrefois la joie, cependant, s'est transformé en un regard plus réaliste sur l'état de l'industrie. Bien que Hudson soit un vétéran établi sur la scène (il a commencé son label en 2014), le créateur américain de vêtements de sport n'a eu qu'un seul mot à dire sur l'état des affaires de la mode dans ce pays: "effrayant. C'est la première chose qui me vient à l'esprit", admet Hudson. "Nous avons nos supporters et nos gens qui nous voient vraiment, mais lorsque vous regardez le marché, en tant que designer américain, cette catégorie est marginalisée par rapport aux maisons de luxe de l'Europe. Et puis, lorsque vous êtes d'un groupe marginalisé ou provient d'un milieu ethnique, cela vous marginalise encore plus."

Pendant des années, les créateurs de mode américains ont été comparés à ceux de la tête des chiens de luxe soutenus par les conglomérats d'Europe. La vérité est que, cependant, vous ne pouvez pas vraiment le comparer - America ressemble au Far West de l'industrie de la mode, avec l'innovation, le grain et l'adhérence qui se déroulent avant tout car une industrie du commerce de détail en retard donne l'impression de s'arrêter. (Hudson hoche la tête aunouvelles controversées qui proviennent des Saks du détaillant américainL'autre jour, la marque annonçant qu'elle prolongeait le temps qu'il a fallu pour payer les vendeurs, dont certains sont des étiquettes soutenues indépendamment qui ont déjà du mal à survivre.) "Au fil du temps, les postes de but pour réussir s'éloignent." Malgré les défis monétaires qui proviennent de la marque américaine appartenant à une marque américaine indépendante, Hudson double toujours son engagement à soutenir les travailleurs des vêtements américains. Naturellement, cela porte un fardeau plus élevé à supporter, financièrement. "C'est peut-être pour cela que certains designers ne restent pas en affaires, mais je ne peux tout simplement pas laisser mon intégrité être dépassé en ayant faim d'argent", dit-il. "Je suis un jeune homme noir de Caroline du Sud. On m'a toujours appris que tu devais être mieux. Tu dois faire plus pour être considéré comme égal. C'est ainsi que j'opérrai dans la vie et tout ce que je fais."

Au cours de notre conversation, Hudson est honnête au sujet de la poursuite de l'entreprise et de ses rêves: il est fatigué d'être mis dans une boîte en tant que designer noir, avec l'industrie dans son ensemble, l'esthétique des créateurs noirs, souvent, doit s'aligner sur une certaine vision, qu'il s'agisse de streetwear ou de vêtements de motifs et d'impressions traditionnels africains. «J'ai l'impression que lorsque les gens me considèrent comme un être humain, ils voient d'abord un homme noir; ils ne voient pas de créateur de vêtements de sport américain. Etc'estLe problème ", ajoute Hudson." Les gens me mettent dans une boîte en disant que je ne peux pas être juste un créateur de vêtements de sport américain qui fait un excellent trench ou un costume qu'une femme voudrait porter. Il n'y a pas d'espace là-dedans, parce que c'est ainsi que [l'industrie] considère les créateurs noirs. "

Ce n'est pas tout sombre, cependant. Il y a une beauté dans la survie, dit Hudson. Il est difficile de ne pas reconnaître que nous sommes dans un temps sombre de l'histoire, étant donné l'état de l'économie et de la politique, mais Hudson dit qu'il prévoit de passer par tous les moyens nécessaires. "La forme d'art de fabriquer de beaux vêtements à porter des femmes a été en quelque sorte perdue, et j'ai l'impression que le soutien doit revenir pour cela", explique Hudson. "Donc, soutenez une marque indépendante, et vous continuerai de voir cette industrie se développer. Lorsque nous cessons de soutenir les marques indépendantes, c'est à ce moment-là que, pour moi, l'industrie décède."

Vous pourriez reconnaître que les conceptions fantaisistes de Jackson Wiederhoeft et d'un autre monde avant de reconnaître le concepteur de soi. Niché dans le cœur du quartier de Garment à New York se trouve le monde du Wiederhoeft prend son envol dans un salon fantastique couvert de corsets et de robes en désordre dégoulinant de bijoux. Bien que Wiederhoeft soit depuis longtemps dans l'industrie (le concepteur a travaillé pour le président de la CFDA, Thom Browne), ce n'est qu'en 2019 lorsque le label a pris vie. "Il n'y avait pas de plan d'affaires à la porte; c'était plus un projet créatif", a expliqué Wiederhoeft. "Mais après cette première collection, j'ai vu un moyen de pouvoiren faitentraînement."

D'abord et avant tout, Wiederhoeft est une marque queer. En ce qui concerne la narration, la vision et les collaborateurs, le concepteur explique que chaque choix est réfléchi et intentionnellement étrange et déplacé, hochant la tête à la véritable définition de queer dans un sens littéral. "Nous sommes des gens qui célèbrent vraiment des choses qui semblent être déplacées ou placées de manière précaire", a expliqué Wiederhoeft. "Tout est beau et charmant, mais il y a toujours un sentiment de danger qui est intrinsèquement lié à tout." Il convient de noter que la hausse de la popularité de la marque dans l'espace nuptiale arrive également à un moment délicat étant donné que l'administration présidentielle actuelle a signé une série deAnti-Trans Executive Orders en droit. (Lorsqu'on lui a demandé si le concepteur a eu du mal à se réconcilier avec la rhétorique anti-LGBTQIA + qui monte dans le pays, Wiederhoeft répond cool. Ils luttent contre le bon combat pendant aussi longtemps qu'il le prend, que les droits soient ou non enlevés.

L'année dernière, Wiederhoeft a été finaliste pour le prestigieux CFDA /VoguePrix ​​de fonds de mode qui vise à mettre en évidence les créateurs américains émergents avec un point de vue unique. À ce stade, la marque nebesoinLa presse quand il s'agit de doubler ce qui rend la mode américaine si grande. (Lady Gaga, Sabrina Carpenter et Ice Spice sont tous amis de la maison.) Mais lorsqu'on leur a demandé à quoi ressemble l'avenir de la mode américaine, surtout étant donné que la marque produit tout dans le quartier du vêtement, Wiederhoeft s'allume pratiquement. "En tant que designer américain, je pense que l'une des choses les plus importantes que je puisse faire est également de soutenir la fabrication américaine et la fabrication de New York. Presque toutes les entreprises avec lesquelles je travaille à New York sont appartenant à des immigrants, appartenant à des femmes, qui est tellement New York et si dur à cuire", a déclaré Wierderhoeft. "Je pense que le soutien est un tel privilège que je peux m'engager, et je veux vraiment faire ça pour toujours."

Allina Liu attribue son lecteur et son amour du design à la puce sur son épaule qu'elle avait quand elle avait enfant. Le designer basé à New York, âgé de 33 ans, plaisante que ses parents immigrés chinois pourraient être en partie responsables de sa phase rebelle. Après des séjours à la rangée, J.Crew et Rebecca Taylor, elle a décidé de créer son propre label en fonction de l'exploration de la forme féminine et de la communauté BDSM. Entrez le label éponyme qui est devenu un chouchou de mode parmi la jeune scène de New York. Les robes fluide liées avec des arcs et des jupes volumineuses ne sont pas seulement des moyens pour une fin - pour Liu, la marque consiste à exploiter l'étrange. (La dernière présentation de la marque au cours de la Fashion Week de New York a présenté des sourires effrayants, des silhouettes en forme de poupée et des modèles innocents en référence aux cultes religieux.)

Après quelques années dans les affaires, Liu a tranquillement fermé ses portes en raison de contraintes financières. Ce n'est que lorsqu'elle a pivoté dans le secteur de la technologie qu'elle avait les fonds pour relancer des années plus tard en 2020. C'est un rappel brutal que, pour la plupart des concepteurs de couleur aux États-Unis, il n'y a pas d'inventeurs ou de financement de conglomérat pour aider les petits designers à rester à l'avant. C'est pourquoi Liu produit à Guangzhou, en Chine, connu comme l'un des plus grands centres de fabrication de la planète. Sans exporter la majorité de son entreprise à l'étranger, il n'y a aucun moyen qu'elle puisse soutenir sa marque. Compte tenu de la dépendance de la plupart des Américains à la mode rapide et aux détaillants hyper-rapides comme Amazon, il existe une association collante entre la perception de la production de Liu et des usines contraignantes et non éthiques.

"Je suis ethniquement chinois, et je suis très fier du terme fait en Chine. Les gens voient-ils mon nom de famille et je suppose que je produit des ordures faites par des enfants de 2 ans pour des sous?" Demand Liu à haute voix. "Je suis allé dans mon usine - je connais les gens, et j'ai vu les conditions. L'éthique est massive pour moi. La Chine est bien plus que des ateliers de misère. Je pense que c'est vraiment, vraiment très raciste de regrouper tout un pays de personnes pour des erreurs de quelques personnes."

Que signifie être un designer américain pour elle? Il est fortement lié à un Américain en général. "C'est difficile", admet Liu. La menace imminente d'une guerre commerciale catastrophique aux côtés des impacts réverbérants de la rhétorique anti-asiatique conduirait la plupart des gens à se tromper du côté du pessimisme. Mais, surtout, être un designer américain signifie être agile et travailler avec ce que vous avez, malgré tout. "En ce moment, c'est difficile, et c'est compliqué de s'identifier en tant que designer américain. Je pense que nous avons été placés dans une position où notre administration ne reflète pas nos croyances personnelles. Tout ce que je peux faire, c'est utiliser la petite plate-forme que je dois vraiment embrasser ma communauté qui croit en moi et que je crois en eux tout de suite."

Mónica Santos Gil était fatiguée de voir tout le monde à New York porter du noir, donc naturellement, elle a commencé sa propre étiquette. Alors que les intentions derrière la marque auraient pu être enracinées dans une légère blague, l'amour du créateur pour la couleur n'est pas - sa marque, Santos de Mónica, établie pendant la pandémie de son petit studio dans la maison de ses parents à Porto Rico, est inspirée par les riches couleurs vibrantes de l'île des Carinettes. Après des séjours en Californie et à New York, le créateur de prêt-à-porter et de sac à main a commencé à se concentrer sur la durabilité et les biomatériaux, un autre clin d'œil à ses racines. "En tant que designer indépendant, je pense beaucoup à la représentation - et pas seulement en termes de qui porte mes pièces, mais aussi de la façon dont ils sont fabriqués et des histoires qu'ils racontent, jusqu'aux matériaux que j'utilise." Santos Gil explique.

En tant que fille immigrée de deux créateurs qui privilégiés leur maison tropicale et luxuriante, Santos Gil savait qu'elle devait être intentionnelle sur la structure de son entreprise lors de son début. En tant que fondateur américain, comme beaucoup d'autres jeunes designers, il existe des fonds limités pour faire de vos rêves une réalité. Santos Gil a priorisé les biomatériaux de haute qualité comme le cuir de cactus au lieu de lots massifs de première course, choisissant de coudre et de tout couper elle-même pour les premiers lancements. Bien qu'elle ait maintenant deux usines travaillant sur le label - une aux États-Unis et une autre au Mexique - dans son cœur, Santos Gil pense que le fait d'être une marque indépendante consiste à être ingénieuse et agile. "Être dans l'industrie de la mode américaine en ce moment signifie être axé sur les solutions, peu importe ce qui se passe politiquement ou économiquement", a-t-elle ajouté. "C'est à la pierre angulaire de ce qu'est une marque émergente ou jeune, surtout si vous n'avez pas le capital ou une usine ou un soutien financier."

Contrairement à la croyance populaire, il est possible de créer et d'exécuter une marque en ce moment, même si le marché est si difficile, ajoute-t-elle. Vous pourriez retirer vos cheveux dans le processus, mais tout cela en vaut la peine. "C'est d'autant plus enrichissant quand tout se met en place", termine Gil Santos. C'est un rappel que même dans les temps difficiles, la créativité, la persévérance et l'ingéniosité peuvent faire de votre vision une réalité - quelque chose dont elle est la preuve vivante avec chaque collection qu'elle donne vie.

Yitao Li vit entre deux mondes. La femme de 26 ans a passé la moitié de sa vie en Chine, ne déménageant qu'aux États-Unis à 13 ans. Son label, Taottao, est né d'un projet passionné pour la conception géométrique et la création de modèles. (Elle faisait partie de l'équipe de mathématiques pendant le lycée, elle plaisante.) Alors que Li pourrait ne pas se voir comme une créatrice américaine entièrement née et sauvée, sa marque est typiquement américaine, s'appuyant sur l'esthétique et Edge de New York, nés de sa scolarité de l'Institut de mode de technologie. Comme la plupart des jeunes designers dont la clientèle vit aux États-Unis, Li joue sur le récit de ce que la fille moderne veut porter - pas la femme moderne. Il y a des micro-minimistes en couches au sommet des leggings, des écharpes de style oreiller à cou bordées de sherpa et des pantalons amples qui sont définitivement approuvés par le carré. Bien que la marque ait seulement trois ans, Li a déjà obtenu un grand suivant à New York et à l'étranger.

"La croissance en Amérique est loin d'être aussi dure que la croissance en Chine", admet Li. Alors que sa petite équipe produit entre Guangzhou et Jersey City, la majeure partie des efforts de la marque se concentre dans les infirmières dans le marché alternatif aux États-Unis. "Les marchés sont si différents - des collaborations d'influenceurs à travailler avec des stylistes asiatiques."

Au milieu des tarifs économiques imposés par les États-Unis, il est difficile de ne pas en spirale. Li admet que, bien que l'exportation et l'importation de vêtements puissent devenir plus chers et plus difficiles, il y a toujours un avantage en tant que petit designer indépendant produisant à l'étranger - il est toujours positif net en ce qui concerne les bénéfices et le fait d'être sur place pour voir la production de première main. Quoi qu'il en soit, certains privilèges proviennent d'un concepteur basé en Amérique. "Je n'ai pas autant de liberté créative en Chine qu'aux États-Unis. Les protections des droits d'auteur n'existent pas non plus vraiment - je peux publier quelque chose sur les réseaux sociaux, puis peu de temps après, 10 magasins vendent la même chose en utilisant mon image", explique Li. "Je ne peux pas publier aussi librement. Il y a nulle part autant de liberté d'expression [en Chine]."

Malgré les défis, Li considère l'expérience comme une précieuse courbe d'apprentissage qui n'a fait que renforcer sa détermination à faire avancer sa marque. Le contraste entre les deux mondes qu'elle navigue - le paysage de la mode compétitif de Chine et la liberté créative dont elle jouit aux États-Unis - a donné à Li une perspective unique sur l'industrie en tant que concepteur d'abord mondial.