Équilibre Élégant

Basée entre son studio de Los Angeles et New Delhi, Grover a passé les dernières décennies à perfectionner son approche du design grâce à une recherche, un développement et un investissement continus dans des technologies de pointe. Ses projets collaboratifs Borrowed Earth apportent la puissante crudité des éléments naturels à l'intérieur en mettant en valeur chaque veine, fissure et « défaut » apparent du matériau d'origine dans le résultat final ; qu'il s'agisse d'une collection de revêtements modulaires ou de l'une des installations sculpturales du label.

Qu'il s'agisse de carrelage, de panneaux ou de briques, le caractère de la marquesont le choix idéal pour ceux qui cherchent à recréer le style de plus en plus populaireesthétique dans leur maison. Pourtant, leur pertinence survit au cycle de tendance. Reconnu comme l'une des principales plateformes en matière de conception de surfaces innovantes, entre 2015 et aujourd'hui, le studio de Grover a collectionné des récompenses sur trois continents. Sa série Aurum'TisserTile vient de remporter lePrix ​​​​HIP de design d'intérieur 2024dans la catégorie Surface dure, tandis que leBarococoa triomphé dans la catégorie Stone + Tile Wall auPrix ​​NYCxDesignce mois de mai.

Alors que Borrowed Earth Collaborative se prépare au lancement de sa nouvelle collection d'objets plus tard ce mois-ci, composée d'ustensiles de cuisine, d'accessoires pour la maison et d'objets de collection, nous discutons avec sa fondatrice et PDG de la façon dont elle intègre l'art dans ses conceptions architecturales, de ce qui rend la pierre si spéciale. pour elle, et comment la technologie peut faciliter la transition vers une conception plus durable de l'artisanat.

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Que pouvez-vous nous dire des années qui ont précédé Borrowed Earth Collaborative ?

Ruchika Grover :Mon parcours vers l’art, mon médium principal, a été déclenché par mes années de formation en voyage avec mon père, négociant en marbre et granit. Dès l'âge de 14 ans, j'ai plongé dans l'univers de la pierre naturelle, en sélectionnant des matériaux issus de carrières du monde entier. Cette exposition précoce a favorisé un profond respect pour sa beauté et ses possibilités inhérentes. Malgré une formation formelle en commerce et en entrepreneuriat, ma passion pour l'art m'a amené à créer un studio verticalement intégré. Au cours des 16 dernières années, j'ai fusionné harmonieusement l'art, le design et l'architecture pour transformer la pierre naturelle en installations sur mesure qui célèbrent la matérialité et l'innovation.

Qu’est-ce qui vous a poussé à choisir ce média spécifiquement ?

RG :La décision de me concentrer sur la pierre naturelle découle de mon lien profond avec ce matériau, cultivé au cours de mes premières expériences avec mon père. Ses textures et couleurs uniques offrent des possibilités créatives infinies, servant de toile qui raconte sa propre histoire. J'ai été captivé par le défi de transformer ce formidable médium en un art expressif et fonctionnel. Pour libérer son potentiel, j’ai combiné l’artisanat traditionnel avec une technologie de pointe, explorant des motifs et des formes complexes qui seraient autrement impossibles à réaliser. Cette approche m'a permis de repousser les limites de ce que la pierre peut représenter dans le design contemporain.

Où cherchez-vous l’inspiration ?

RG :Ma pratique est profondément influencée par les riches contextes culturels et environnementaux que j'ai rencontrés au fil de mes voyages. Chaque morceau de pierre porte l'histoire unique de son origine, que je souhaite mettre en valeur dans mon travail. En intégrant l'artisanat traditionnel au design contemporain, je contribue à un dialogue dynamique entre passé et présent. Mon accent sur les pratiques durables garantit que ce dialogue évolue de manière responsable, dans le respect de l'environnement tout en repoussant les limites du potentiel de la pierre naturelle.

Y a-t-il un projet dont vous êtes particulièrement fier ou auquel vous êtes attaché ?

RG :D'un point de vue personnel, mes collaborations avec l'architecte américain Tony Ingrao ont été jusqu'à présent des plus enrichissantes. Il est l'un des rares designers à avoir su intégrer le potentiel de la pierre à l'échelle architecturale, et pas simplement comme élément décoratif. Nous avons travaillé ensemble sur des peaux sculpturales pour des projets à New York, Miami et Los Angeles, qui remettent tous en question la perception de ce qui peut être réalisé avec la pierre naturelle. Ce sont des installations plus grandes que nature qui ont nécessité plusieurs années et une armée intercontinentale de personnes pour être réalisées, mais qui sont véritablement inspirantes. Chacun d’eux impliquait des collaborations complexes avec des artisans qualifiés et une technologie de pointe pour obtenir la complexité et l’élégance souhaitées. Ces partenariats incarnent mon engagement à mélanger l'artisanat traditionnel avec l'esthétique contemporaine, reflétant mon parcours continu pour innover dans le domaine des matériaux naturels.

Pouvez-vous nous parler d’un collègue créatif qui vous obsède en ce moment ?

RG :J'ai été vraiment fasciné par le travail de l'artiste et photographe britanniqueRuben Wu. Il crée des sculptures lumineuses par drone dans de magnifiques paysages naturels et les capture sous forme de photographies. Je suis époustouflé par son métier, non seulement en raison de mon obsession pour les formations naturelles, mais aussi parce qu'il prouve que l'éclairage peut véritablement transformer la façon dont tout est perçu. Lorsque j'aurai terminé mon jardin sculptural, je prévois de collaborer avec lui pour capturer les espaces à travers ses yeux en y intégrant les sculptures lumineuses.

Que représente pour vous l’artisanat aujourd’hui ? Qu’est-ce qui le rend pertinent pour la société dans laquelle nous vivons ?

RG :L’artisanat authentique et l’innovation constante sont plus que jamais essentiels dans un monde dominé par la production de masse. Il représente un engagement envers l'individualité, la qualité et l'intégrité qui ne peut être reproduit par des approches à l'emporte-pièce, en plus de soutenir la communauté artisanale et l'artisanat traditionnel. Le véritable savoir-faire honore le caractère unique des matériaux et le savoir-faire de l'artisan, offrant des produits non seulement esthétiquement distincts, mais également significatifs sur le plan culturel et environnemental. À une époque où le design manque souvent de profondeur et d’authenticité, le véritable savoir-faire constitue un contrepoint essentiel, célébrant la beauté des créations sur mesure faites à la main et les histoires qu’elles racontent.

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Considérez l’état actuel du design et de l’artisanat : selon vous, qu’est-ce qui manque actuellement et comment comptez-vous y remédier dans les années à venir ?

RG :J'aimerais que l'on mette davantage l'accent sur les pratiques et les matériaux respectueux de l'environnement, ainsi qu'une exploration plus approfondie de la manière dont les techniques traditionnelles peuvent se croiser avec la technologie moderne. Il est crucial pour l’avenir de l’artisanat d’équilibrer le respect des méthodes traditionnelles et la nécessité de la responsabilité environnementale.

Ma contribution se concentrera sur de nouvelles approches pionnières qui fusionnent l’art et la durabilité, démontrant que l’excellence de l’artisanat peut coexister avec un engagement à protéger notre planète.

La collection d'objets de Borrowed Earth Collaborative sera lancée plus tard ce mois-ci.